Un cactus au ciné

    Le troisième film de Hitoshi Matsumoto, le premier seulement à atteindre les salles françaises, est le film le moins déjanté de l'auteur... C'est dire... Puisque « Saya Zamurai » s'appuie pourtant sur un scénario de départ bien farfelu, puisqu'il conte le défi cruel qui se pose à Kanjuro Nomi, ancien samouraï rejeté qui erre lamentablement aux côtés de sa petite fille, à savoir un délais de trente jours pour faire rire un jeune prince au visage des plus figés. L'homme va donc chaque jour entrer dans l'enceinte du château pour proposer son nouveau tour, s'il échoue il sera condamné à mort... Une farce en apparence répétitive, où l'on va assister un à un aux spectacles proposés, mais Matsumoto construit son scénario d'une manière remarquable, arrivant à nous surprendre à plus d'une reprise. Derrière toute tentative comique, se cache un fond triste, blasé comme ce personnage qui ne redoute même plus l'humiliation. A chaque numéro, le réalisateur nous laisse le choix entre le rire et les larmes, de voir cet homme faire une danse du ventre, ou jouer de la flûte avec le nez sous les yeux de sa fille. Un regard qu'on sent également touché, devant un père impuissant qui se débat et perd sa dignité, elle devient peu à peu admirative. Mais alors qu'on ne s'y attend pas vraiment surgit une émotion étonnante et authentique qui ne va cesser de nous envahir jusqu'à un épilogue en chanson d'une beauté sidérante. La prestation des deux acteurs principaux est phénoménale et le film a une réelle personnalité, un burlesque dramatique, un univers fantaisiste. Malgré une introduction qui laissait présager du pire, et la présence inutile de trois personnages-intrus tout droit sortis d'un manga, le film nous embarque avec son personnage complexe de clown triste et la sensibilité d'une jeune fille, adulte avant l'âge. On oublie vite tous les défauts d'un film audacieux et qui touche en plein coeur. « Saya Zamuraï » est une petite pépite de poésie et d'émotion à découvrir, une fable sur l'honneur et la dignité d'une grande intelligence.

  « Le skylab » n'est sorti que l'année dernière, mais voilà que déjà déboule sur les écrans le nouveau film de la plus américaine des françaises : Julie Delpy. Suite dans l'idée et le format de « 2 days in Paris », les personnages sont les mêmes ou presque puisque le personnage de Marion, incarné par Julie Delpy, s'est séparé du très bon Adam Goldberg pour se jeter dans les bras de Chris Rock. Autre absence majeure et de circonstance, la maman de Julie Delpy (qui incarnait aussi sa mère dans le premier film) décédée en 2009, à qui le film semble parfois dédié quand il ouvre ses petites ailes de poésie. Pour autant la réalisatrice-actrice-scénariste-compositrice s'y repose peu, et veut clairement un film distrayant, drôle comme un exutoire. Pour ce faire, elle grossit un peu plus le trait de chacun de ses personnages et les confronte sans cesse, c'est peut être assez caricatural, hystérique même, mais elle arrive comme toujours à imposer de sa patte une tendresse unique à chaque personnage. Si la thématique du choc culturel traverse tout le film, elle arrive (peut être moins que d'habitude) à brasser pas mal de sujets aux travers de discussions, souvent houleuses. Comme cet américain semblant désemparé, le spectateur (re)fait la connaissance d'une famille déjantée, libérée, et s'il est un cran en dessous du premier opus, qu'il n'a pas la richesse scénaristique de « La comtesse », il n'en reste pas moins un divertissement drôle et attachant, qui comme d'habitude avec elle bouillonne de vie.

  Déjà peu attiré par le film à la base, les nombreux retours négatifs que j'ai eu ne m'ont clairement pas poussé dans la salle enthousiaste... Et pourtant on tient là un film plus fin et complexe qu'il n'y paraît, qui a beau rouler des mécaniques comme ses personnages principaux, il constitue un hymne décalé à la fidélité jamais moralisateur, où les hommes en prennent finalement plus dans la figure que les femmes. La principale originalité du film est d'être « un film à sketches », entendez par là un film morcelé en différents courts métrages sur le même sujet, un film à multiple réalisateurs donc. C'est à la fois le point fort et le point faible du film, il y a comme souvent des réalisations qui écrasent un peu les autres. Pour ma part la réunion des « infidèles anonymes » d'Alexandre Courtès est une franche réussite, une petite comédie méchamment drôle, où Sandrine Kiberlain se lâche devant un quatuor masculin qui fait des étincelles (Manu Payet et Guillaume Canet accompagnent Lelouche et Dujardin dans l'exercice). Un moment d'autant plus drôle qu'il fait suite au court le plus dramatique, celui d'Emmanuelle Bercot, deuxième réussite du film, qui met en image la dispute du couple Lamy/Dujardin. Parfois assez noir, parfois assez dramatique, le film rebutera ceux qui n'y sont venus chercher qu'une grosse comédie française... Dujardin et Lelouche s'amusent clairement à changer de peau toutes les vingt minutes, et nous avec, pouvant passer du crooner irrésistible au looser dans le joli court d'Hazanavicius. Si certains passages manquent d'intérêt (Cavayé ou Lartigau), que la fin est assez ridicule, il n'en reste pas moins que ce film inégal est riche, plaisant et assez futé. Une petite surprise.

  Estampillé « Sundance » sur son affiche (magnifique au passage), le film n'échappe pas à ce qui devient peu à peu un genre à part entière : « le ciné indé américain »... Et je dois avouer que j'aime beaucoup ça... La chemise de bûcheron, la chanson country, une mise en scène épurée, mais ce nouvel opus sort des sentiers battus, notamment par sa maîtrise et son sujet original. Puisqu'il conte l'histoire d'une jeune femme, fraîchement échappée d'une secte, qui va essayer de se reconstruire épaulée de sœur et de son beau-frère. Le film n'est que va-et-viens entre ses errances présentes dans une grande maison de bord de lac et son passé assez trouble dans cette « secte ». Un assemblage chronologique totalement maîtrisé, qui laisse entrevoir peu à peu quelques pièces du puzzle. Un scénario incroyable qui sait installer le doute, la fuite de la secte perçue à la fois comme un espoir de retour à la vie normale et une replongée dans la perdition, un doute qui fait vibrer le film jusqu'à sa toute fin, brutale, frustrante, marquante. Révélation du film, Elisabeth Olsen, sublime dans son tiraillement, est capable d'assombrir comme d'illuminer le film d'un simple sourire. Le troublant John Hawkes, n'est pas en reste, faisant part de son charisme rugueux au travers d'une ballade qui nous scotche autant que l'héroïne. Malgré une thématique lourde qui autorisait la dramatisation, « Martha Marcy May Marlene » reste très doux, très progressif et désamorce vite ses montées de paranoïa. La maîtrise est remarquable d'autant plus qu'il s'agit du premier long de Sean Durkin. Un film étonnant et prometteur qui fait preuve d'une intelligence rare : à découvrir.